1. 按照教练员的要求，球员穿着3个不同颜色的训练服跳过3个栏架并且冲刺15米到达球的位置进行抢球。
2. 首先控球的球员必须大喊另外一种颜色（假如蓝色球员喊出黄色），然后黄色球员与蓝色球员成为队友，与红色球员形成一个2对1对抗。
3. 移动的同时做出各种假动作，假动作会导致防守球员的不安，从而给进攻球员在时间和空间上争取优势。
1. 整个球队分为4个队，每队4人（也可以是3对3、5对5，主要取决于队伍人数）。
2. 每场比赛时间为10分钟。比赛结束后，两个胜利的队和两个失利的队再分别比赛，比赛时间同样是10分钟。
1）在两块场地内进行比赛，训练目标为控球。每队连续完成4次传球后可以射门得分。
2）第一组：练习开始时两名中后卫站在中间的标志桶旁边，球员A传高空球，与此同时两名中后卫迅速回撤，准备在空当处接球。其中一名中后卫得球后向一侧标志桶运球，另一名中后卫向反方向一侧标志桶移动，然后持球中后卫将球传给无球的另一侧中后卫，最后再将球传回给A继续练习。
3）变换形式：用胸部停球，直接回传给球员A；用脚内侧端球给另一名中后卫；直接头球传给另一名中后卫等。
4）第二组：用标志杆和标志桶组成编号1、2、3三个小球门。练习开始时球员A站在标志杆的中间位置，传球球员将球传向红色标志杆之间，同时喊出三个小门其中一个的编号，球员A根据喊出不同的球门编号做出不同的停球动作，必须一脚触球将球停在球门里。球门1用 脚内侧停球，球门2、3用脚背外侧停球。
1）第一组的练习是模拟一名中后卫得球后，其他的队友需要快速拉开空当接应。
2）第二组的练习是球员在接球的过程中需要根据周围的情况作出不同的停球和摆脱的动作。
3）通过加快或放慢比赛的节奏来控制对方，在确保本方球门安全的同时，突然向对方实施进攻。
4）给出合理建议，激励球员以自己的方式来选择解决问题的方法，使球员更多地创造性发挥。
YYQ音乐圈是中国最大的音乐行销服务产业平台，电子商务化的音乐社区，围绕消费、服务、创作，给乐迷与音乐人提供一个互动的服务平台。
Beijing Longbichi Technologies Co.,Ltd.
许朝军，点点网、啪啪创始人及CEO。连续创业者，毕业于清华大学计算机系，曾任盛大边锋总裁、人人网负责人。
从初音未来到米津玄师，Vocaloid哺育了J-Pop 新世代的半壁江山
横空出世的TikTok Music，可能要让 Spotify 和 Apple Music 抖三抖。
2015年第35届全英音乐奖颁奖礼，麦当娜压轴表演新单曲《Living For Love》，表演刚开始不久就被伴舞绊倒惨摔三个台阶。56岁的麦姐实在太拼，摔倒后继续卖力演出到结束，而且现场依旧high爆，完全hold住。事后麦姐表示摔倒是因斗篷太紧所致，并报平安称自己无大碍。
2015年第57届格莱美音乐奖颁奖礼在洛杉矶斯台普斯中心刚刚落幕，英国新人萨姆-史密斯一人捧得包括“年度最佳制作”，“年度最佳单曲”和“年度最佳新人”在内的四项大奖，成为本届格莱美的最大赢家。在综合类大奖的四个奖项当中，萨姆-史密斯都有提名，最终，他获得了其中的三项，只在年度最佳专辑奖中败给了贝克。
北京时间2月9日消息，据国外媒体报道，2015年第57届格莱美音乐奖颁奖礼在洛杉矶斯台普斯中心刚刚落幕，英国新人萨姆-史密斯一人捧得包括“年度最佳制作”，“年度最佳单曲”和“年度最佳新人”在内的四项大奖，成为本届格莱美的最大赢家。
两家全美最大的音乐公司——Ticketmaster、Live Nation将价值44亿美元的全球现场音乐业务合并。
2010年11月，在坚持了数年之后，披头士终于结束了他们对于数字音乐的，并在苹果的iTunes上发布了他们的音乐。
这笔利润丰厚的交易既是披头士歌迷的胜利，也是数字音乐商店不可避免的成功——至少目前如此。
2011年3月，13岁的Rebecca Black发布了一首无伤大雅的作品《Friday》，这首歌成为一个月的病毒现象。
这首歌的部分魅力在于“呈现出了一种特殊的调性，在不经意间突显了样板流行歌词的荒谬”，马修·佩尔佩托（Matthew Perpetua）在《滚石》杂志的评论中写道。
从2009年到2011年的三年间，U2在其全球巡回演唱会中的每一场，都带着一个像宇宙飞船一样的金属舞美。
这座高耸壮观的建筑，再加上绚丽的LED灯光的和精心编排的两小时演出，帮助乐队在音乐销售下滑的时期，在60多个场馆打破了上座率记录，让模仿这场演出形式的人与门票价格一样飙升。
最初的大家的疑问都是“Spotify究竟是做什么的？”但等大家都还没有反应过来，Spotify已经成为了美国最受欢迎的音乐平台之一，并在2019年底前，积累了2.48亿全球用户，并正在为未来十年制定了雄心勃勃的增长计划。
2012年春天，加拿大歌手Carly Rae Jepsen的流行歌曲《Call Me Maybe》完成了音乐成功的三件事：在音乐排行榜上取得了巨大成功，获得了其他歌手的好评，并引发了一场全球粉丝运动。
这次的表演之成功，让其成为了其他如已故艺术家罗伊•奥比森（Roy Orbison）和惠特尼•休斯顿（Whitney Houston）的全息摄影巡回展的样板，尽管有些计划尚未完成。
2012年冬天，来自韩国鸟叔Psy的《江南Style》席卷了全球各国的音乐排行榜，通过一个音乐视频和其中的舞蹈热潮，将数亿人都带入了韩国流行音乐的舞台。
Psy在接受《滚石》杂志采访时表示：“当我们在编排舞蹈时，将其称之为‘骑马舞’。”“我告诉（导演），‘嘿，这是骑马舞，我们找个马的地方吧。’那样的话，它可能会更俗气、更荒谬，当然最后我们就这么做了。”
2013年2月，继《江南Style》之后，一首略带神经质的舞曲《Harlem Shake》在网络上迅速蹿红。早在2012年5月，DJ Bonjo便已经录制了这首歌，然而直到2013年的2月，突然在YouTube走红。
这首歌的大获成功出乎所有人的一流，并且吸引了Stephen Colbert和Jimmy Fallon等名人参与其中，而DJ Bonjo的唱片公司经理则认为这首歌“有点奇怪、新鲜、令人困惑”。
2013年的冬天，迪士尼动画电影《冰雪奇缘》上映，第一次让我们知道，原来动画也可以这么好听。光在2013年，电影原声带的预售更是超过100万张，电影主题歌《Let it go》更被数以亿计的播放，更不要提还获得了奥斯卡最佳配乐奖。
迪斯尼音乐集团总裁肯·邦特在接受《滚石》杂志采访时表示，虽然公司从未打算让《冰雪奇缘》的歌曲成为“一种现象”，但他们知道，这是一部“特别的电影，并且里面有令人难以置信的感人音乐”。
2013年12月，在毫无预告的情况下，Beyoncé发布了14首新歌和17个视频，她称之为“visual album（视觉专辑）”，并取名为《Beyoncé》。在专辑中，与Beyoncé合作的不仅有她的丈夫Jay-Z，甚至还有他那两岁的女儿Blue Ivy。
这张专辑上架3个小时销量就突破了8万张。专辑发行前3天全球销量共达828773张，5天内全球销量突破一百万张 ，获吉尼斯世界纪录确认为iTunes有史以来最快卖破100万的专辑。
12月19日，专辑以61.7万张的销量成绩空降美国公告牌专辑榜榜首，成为公告牌专辑榜历史上第一位前五张个人唱片全部获得冠军的女歌手。12月27日，专辑《Beyonce》连续第二周获得冠军，总销量超过了九十九万张。
2014年1月，说唱歌手Macklemore给同样提名的Kendrick Lamar写的短信，几乎要盖过了他赢得的四个格莱美奖。在获奖的几个小时后，Macklemore发短信给Kendrick Lamar说：你的“最佳说唱专辑”被抢劫了，你应该赢的，这个奖杯应该属于你！
Macklemore在社交媒体上向粉丝们发文称，Kendrick Lamar“应该获得最佳说唱专辑奖”。这一举动既象征着音乐人对媒体话语的影响力日益增强，也象征着颁奖典礼实际结果的影响力日益减弱。
2014年夏天，一个来自加拿大的少年Shawn Mendes凭借翻唱Justin Bieber和Ed Sheeran的歌曲，在社交媒体应用Vine上获得了5亿次点击量，这让他在2013年时被一位艺人经济发现，并在接下来的几年里一跃成为超级明星。
2014年9月，U2乐队与苹果公司达成合作，让大约有5亿的人在iTunes账户上同时收到U2乐队专辑《Songs of Innocence》的免费主动下载，而这一行为用户却不知情。许多收到免费音乐的人，开始质疑强行将音乐推给用户的行为非常的“鲁莽”。
最后乐队主唱Bono不得不在自己的脸书（Facebook）上公开道歉，表示自己的这一做法是“慷慨多过狂妄”。而苹果公司也为用户提供了一键删除该专辑的功能。
后来U2乐队的官方网站上还更新了一段文字——“你们的（iTunes）垃圾箱中正躺着几位爱尔兰人用血汗凝聚的作品。”
2014年至今，歌手Ke$ha起诉L 她的制作人Dr. Luke，声称Dr. Luke“在性、身体、语言以及情感上虐待她”，以至于她“几乎失去了生命”，而Dr. Luke对此予以否认。
这场痛苦的官司持续了数年，不仅是在法庭上，在公共领域也是如此，连Taylor Swift、Lady Gaga和Katy Perry等艺人也深陷此类官司。
2014年11月，泰勒·斯威夫特突然从Spotify上撤掉了她的全部曲目，以此抗议流媒体服务的免费。她向世界传达了这样一个信息：“音乐是艺术，艺术是重要而稀有的，而重要而稀有的东西是有价值的，当然有价值的东西是要花钱买的！”
这样的举动足足坚持了三年。2017年，泰勒斯威夫特正式回归Spotify，但她的暂时离开促使行业后退了一步，让他们意识到流媒体时代的音乐人们能够真正发挥多大的影响力。
2015年2月，一部关于家庭、金钱和说唱的电视连续剧《嘻哈世家（Empire）》登上了年度文化热点榜，音乐和娱乐在这里产生了新的共生关系。
《滚石》杂志的Rob Sheffield写道，FOX推出的《嘻哈世家 (Empire)》是“一场极其荒谬的奶酪盛宴，融合了嘻哈风、《Hustle & Flow》和老派黄金时段肥皂剧的观感”。
最终，法院下令Robin Thicke向Marvin Gaye的后人支付数百万美元。音乐行业警告称，这起有些“模糊”的诉讼可能会产生连锁反应，导致数十起新的版权诉讼。
这部时长只有几分钟的“拼车卡拉ok”系列视频大获成功，越来越多的明星大咖搭乘了James Corden的车。这个节目在2016年被苹果音乐（Apple Music）以独家第一窗口授权协议收购。看来非传统新媒体形式的音乐前景广阔。
2015年6月，苹果公司推出了一项酝酿已久的新项目——Apple Music，这是一项与“Spotify”完全相同的音乐订阅流媒体服务，最难过的恐怕就是“Spotify”的创始人Daniel Ek了。
苹果音乐的出现让整个流媒体行业都打了一个“冷颤”。苹果公司巧妙地将其面向用户的硬件和软件产品结合在一起，同时也向世界发出了一个信号：
2015年7月，“Spotify”推出了“每周发现”的播放列表部分，它来自于对你喜好的精确计算。
这种不被认为设定的播放列表开始变得流行，以至于它成为了行业标准，其他流媒体服务都竞相模仿推出了自己的发现功能，个性化的播放列表也成为了音乐流媒体的一个同义词。
2015年7月，国际唱片业联盟建议全球音乐的发行时间调整到周五，以减少盗版的泛滥。音乐人们集中在他们的社交媒体活动，以“重新点燃新音乐发行时的激情和使命感”。
当然有调查显示，粉丝们最喜欢在周末购买新音乐。（这个结果是否受到了第三个瞬间：Rebecca Black《Friday》的影响？）
2015年11月，巴黎巴塔克兰音乐厅的“死亡之鹰”音乐会遭遇，造成近100人死亡；两年后，一枚炸弹在曼彻斯特的A妹（Ariana Grande）的演唱会上炸死22人，拉斯维加斯91号公路丰收音乐节（Route 91 Harvest music festival）上的一名枪手向人群开枪，造成58人死亡。
因为这些事件，音乐会场馆开始测试极端的安全策略，比如嗅雾犬和反无人机技术。过去的安全措施都是针对人群的控制，而现在这个行业也必须防范。
2015年冬天，之前《冰雪奇缘》中《Let It Go》的成功并非昙花一现。Lin-Manuel Miranda主演的百老汇音乐剧《汉密尔顿（Hamilton）》的原声带在《公告牌》(Billboard) 200强排行榜中首次亮相，便空降第12位。
《滚石》杂志的Brittany Spanos写道：“这张专辑是在“Roots”的帮助下创作的，它实现了比音乐剧更令人印象深刻的东西：它证明了在21世纪，一张原声唱片也可以成为强大有凝聚力，而且令人振奋的流行体验。”
2016年至今，对于一个狂热的摇滚迷来说，再没有比Guns N Roses的拉斯维加斯演唱会更能令人疯狂了。
随着现场音乐成为音乐人们最赚钱的收入来源之一，摇滚乐队在演绎经典的演出中一个接一个地出现，从忠诚的粉丝身上赚钱，这些粉丝再也不是以前的穷小子了，他们有很多钱可以花。
2016年2月，就在他的新专辑《Life of Pablo》发布的几小时后，坎爷宣布他专辑中的单曲《Wolves》其实还未完全完成，之后会做更新。
一个月后，West实际上超越了这一步，他更新了整整12首歌曲，大部分是制作和声音上的调整——但这表明，在流媒体时代，专辑定稿的概念可能已经过时了！
2016年4月，著名歌手Prince死于药物过量的消息震惊了全世界的歌迷，不仅如此，这个事件还突然把他在佩斯利公园（Paisley Park）保险库里被封存了数千小时的音乐置于危险之中。
如果没有遗嘱，他价值数亿美元的遗产的控制权问题也会成为一个有争议的问题。
尽管索尼的Legacy Records将于2018年与Prince s estate达成协议，成为35张此前发行的专辑的独家分销合作伙伴，但该唱片库的音乐目前仍将完全无人知晓。
2016年6月，美国唱片学院宣布，将开始允许电子唱片进入音乐颁奖的提名类别，第二年，Chance The Rapper的《Coloring Book》在创造格莱美历史，成为第一张不出售实体唱片的格莱美获奖唱片。
Chance The Rapper在接受《滚石》杂志采访时谈到了他的个人心态：“名声或成功，都来自于集体思维。”
2019年7月，泰勒·斯威夫特和坎爷之间的小摩擦演变成一场全面战争，坎爷的妻子金·卡戴珊在Snapchat上发布了一段两人通话的视频，在视频中，斯威夫特与公众意见相反，似乎赞同韦斯特在他的歌曲《Famous》中使用关于她的歌词。
然而霉霉否认这是事实，并在Instagram上回应道：“我很想被排除在这个故事之外。”
2016年8月，Frank Ocean发布了他的新专辑《Endless》，这是苹果音乐的独家首张专辑，并履行了他与环球音乐集团的合同义务。然而一天后，他又推出了第二张专辑《Blonde》，评论家们普遍称赞这是一张更好的、更真实的专辑。由于没有唱片公司的参与，Ocean获得了更多的版税。
环球唱片公司董事长兼首席执行官Lucian Grainge的反应则是立即“取缔”了这家音乐公司的流媒体独家业务——因为它扼杀了唱片公司在过去一年的大部分时间里一直热衷的一项战略。
2016年10月，“Coachella for old people”以滚石乐队、尼尔·杨、保罗·麦卡特尼、罗杰·沃特斯、鲍勃·迪伦和Who乐队的强大表演，举办了一个杀手节，证明了怀疑者的错误。
不仅是阵容，它的收入也是史无前例的：三天的票价高达1599美元，创造了1.6亿美元的票房纪录，远远高于科切拉音乐节的9400万美元。
2017年1月，Luis Fonsi和Daddy Yankee性感《Despacito》打破了地心引力，甚至在贾斯汀·比伯将他的明星力量用于混音之前，就已经在音乐的同温层爆炸了。
这首歌获得了无数成就包括成为第一个获得50亿点击量的YouTube视频、成为全球流量最大的歌曲等等，但它最大的成就是打破了美国流行歌曲的语言障碍，向观众展示了音乐不一定要被完全理解才能被喜爱。
2017年3月，公鸭的新专辑《What is More Life?》发行，然而公鸭却坚称这既不是一张专辑，也不是混音带，相反，它仅仅是一个播放列表，意为“成为你生活原声带的歌曲集”。
仔细听，这张时长82分钟的非纪录专辑，将听众从加勒比海的舞厅带到了南非之家。
2017年3月。有什么能比首张专辑排名第一更好的呢？饶舌歌手Future的答案：两个。这名饶舌歌手的唱片《HNDRXX》创下了史无前例的成绩，将他的另一张唱片《Future》挤下了美国公告牌200强的榜首位置。
2017年，美国唱片业协会公布的数据显示，在过去一年里，流媒体为美国音乐产业带来的收入首次超过了所有其他形式的发行，唱片业的反对者不得不承认，对于流媒体的判断失算了。
一开始，这种新的权力平衡在传统音乐公司之间引发了许多争论，但大多数公司都开始相应地重新分配自己的努力和预算。
他与友人共同创立了命运不佳的Fyre音乐节，并且通过营销、出售节目和其他活动的门票，骗取了投资者的2740万美元。
2017年7月，在Lil Pump的两分钟小曲《Gucci Gang》中，引用了其同名设计师不少于51次，成功地在纯真和不敬之间取得了完美的平衡。
几个月内，从一个在SoundCloud发布音乐的饶舌歌手变成了一个大牌艺术家。这既是DIY平台SoundCloud成功的证明，也是该行业对新说唱天才的淘金热的证明。
2017年12月至今，据报道，在一笔价值1亿美元的交易中显示，Lady Gaga在拉斯维加斯的米高梅公园剧院获得了临时居住权。
2018年4月，Kendrick Lamar凭借专辑《DAMN》成为第一位获得普利策音乐奖的非古典、非爵士乐艺术家。普利策评委会尤其赞赏DAMN的“本土真实性和韵律活力”。
Kendrick Lamar在接受《滚石》杂志采访时这样评价这张唱片。“这是我们全部的焦点，如何通过旋律来达到音色、抒情的效果，它就像我在脑海中听到的一样。”
2018年4月，在这一年的科切拉音乐节（Coachella）上，碧昂斯与惊喜嘉宾J Balvin表演的西班牙语歌曲《Mi Gente》创造了历史。
这首歌也为他明年的科切拉音乐节（Coachella）奠定了舞台——无论是物质上还是象征意义上。
2018年6月，因为艺人的不当行为，Spotify试图通过制定一项禁止R. Kelly和XXXTentacion出现在播放列表中，这一个“充满仇恨的内容和行为”的决定最初本是为了显示它的良好意图。但是很快就有人开始声讨Spotify是道德警察，在几周的反弹之后，Spotify最终不得不收回这项决定。
Spotify更快地便吸取了教训，但围绕着支持艺术家不当行为的讨论仍像以往一样模糊。
2018年6月，Pusha T发布了一首无拘无束的diss歌曲《The Story of Adidon》，指责Drake是一个儿子的父亲，并对他的存在保密时，互联网的舆论彻底爆发了。
在一个月后的新专辑《Scorpion》中，Drake承认了这一点，尽管参与录制的制作人认为这是对Pusha最直接的回应。但不管怎样说，虽然说唱歌手之间有beef，也这意味着两位艺术家都能从中获得一大笔版税。
2018年7月，说唱女歌手Cardi B的《I Like It》升至单曲榜榜首，与《Bodak Yellow》齐名，使Cardi B成为第一个获得两项冠军的说唱女歌手。
2018年7月，作为双碟（超长）专辑，Drake的《Scorpion》在音乐流媒体上达到了流行的顶峰，甚至跨越了一个里程碑，如预期的那样令人钦佩。该唱片成为首个在一周内达到10亿次流媒体的唱片。
据Drake的唱片公司称，他也是第一个流量突破500亿的艺人。但是这些度量标准实际上意味着什么呢?
2018年11月，布鲁克林说唱歌手6ix9ine被捕，他在本土音乐圈的突然走红因涉嫌团伙犯罪而又变得复杂。法院对他的判决成为又一起备受瞩目的音乐家与法律之间的冲突。
2019年1月，抖音在全美的下载量已经达到10亿次，这证明了TikTok不仅仅是音乐产业雷达上的一个齿轮而已。（Instagram的下载量只有去年的一半）
这个社交应用程序可以让用户制作15秒的音乐视频，其规模之大足以让从业余艺术家到主流唱片公司的所有人都想破解它的代码。尽管其他平台需要通过关注者数量和分享率等指标来建立人气，但抖音针对快速新发现的算法使用户“只要你去做，你就可以轻松出名”。
2019年，没人知道最初的《小鲨鱼（Baby Shark）》来自哪里，但韩国教育品牌Pinkfong成功地把它变成了一个适合所有年龄的人都能唱的卡拉ok前40名金曲。
这首歌从从公告牌乡村音乐排行榜上除名只会让它疯狂地迅速蹿升到榜首，而来自乡村乐坛中流的Billy Ray Cyrus适时的混音正是它所需要的。所以，音乐类型真的有这么重要吗？
2019年5月，对于那些仍然怀疑韩国流行音乐是否真的在美国立足的人来说，这大概就是最好的答案。
BTS被选为《早安美国》夏季系列演唱会的开场，这是每一个有抱负的美国流行音乐表演都渴望拥有的地方。除了成为第一个在美国体育场满座的韩国组合外，BTS还将出现在《周六夜现场（Saturday Night Live）》、斯蒂芬·科尔伯特（Stephen Colbert）主持的《深夜秀（Late Show）》以及公告牌音乐奖（Billboard Music Awards）颁奖礼上。
斯威夫特首先声称，她没有被告知关于出售她的作品的事情。几个月后，她再次指责布劳恩和她的前厂牌老板斯科特·博尔切塔（Scott Borchetta）用不公平的条款束缚她。
虽然布劳恩和波切塔激烈地反对这两种说法，但实际情况可能并不重要，因为斯威夫特正在利用她所拥有的每一种工具包括社交网络，包括直接向狂热的粉丝求助。
Spotify自己鼓吹的企业宗旨和Spotify现行商业模式之间正在产生割裂。
11月24日-25日，2023深圳国际海洋周系列活动之“潮湾夜游音乐会WAVE-BAY CONCERT”在深圳海上世界C区广场舞美落幕，2天线万。六组粤港澳大湾区乃至国际音乐人欢聚深圳，一同带来240分钟热血沸腾的演出，现场观众热情呼应，共赴这场“艺术海洋”之约，台上台上完美的互动，共同创造了摇滚狂欢的蓝色之夜！
“潮湾夜游音乐会WAVE-BAY CONCERT”以“同一片海洋，同一个梦想”为主题，以海为伴，以歌传情，从深圳出发，走向国际化，邀请了广州、香港、俄罗斯、美国、法国等地23位音乐人参演，本次活动特企“超级音浪夜”和“乐队·风暴夜”两场主题音乐会，从国语到英文再到二者结合，从独立流行、电子元素、雷鬼Dub到世界音乐，呈现音乐如海洋般深邃之美，尽展艺术海洋海纳百川的包容性和多元融合的魅力。
夜色降临，华灯初上。11月24日晚，来自深圳本地的原创乐队深福Samfoo为“超级音浪夜”专场躁燃开场。乐队成员深耕华南音乐圈多年，技术娴熟，霸气控场，连唱6首歌曲不停歇！6首歌曲演绎6种不同的夜晚情绪！深福Samfoo乐队温暖的嗓音和激荡的旋律抚慰现场观众悸动和焦躁的心。
粤港澳原创持续发声，新生代港乐接力！香港POP ROCK新生代乐队——Prevision为观众献上港味十足的音乐现场，诠释了新生代的港乐风貌！深圳依海而生，与香港为伴！隔河相望的深港双子城，系出同源。两地人民在这片土地上垒土筑墙，精耕细作，建设美好家园。因海洋周相聚，因音乐相见，海洋周搭建了深港两地文化交流的平台，以歌促情、以歌聚心，进一步增进了深港两地的文化交融。
《乐队风暴》第二季全国总冠军等秋LongForAutumn惊喜亮相现场！音符一起，主唱一展学院派的歌喉，折服了现场的观众。悠扬的旋律线倾泻而出，干净纤细的声线拥人入怀，冠军高水准和超强的演出气场为第一晚的演出画下完美的句号。
精彩一浪接一浪。25日晚“乐队·风暴夜”同样在深圳海上世界掀起摇滚的浪花。这场演出阵容极具国际化，演出曲风多元融合，为观众带来新“鲜”的乐队赏乐方式！
超现实电慈波以电子与民乐、世界音乐融合的旋律铺设了梦幻的海底声境，琵琶、民族小打、打鼓、手碟的音色在旋律中交叉融合，主唱多变的声音在其中游荡，乐手默契配合呈现了千变万化的舞台。观众在他们的演出中听见了来自民族的、世界的音乐，领略了多元融合的演奏之美。
音乐是沟通的桥梁，能跨越语言和文化界限，将人们连接起来，对人的交流中发挥着不可或缺的作用。国际雷鬼乐队北极票乐队Polar Joint便是如此。因为音乐他们组建起一支乐队，因为音乐他们与观众相聚深圳、相聚海洋周。他们演奏一首首动感的雷鬼，活力四射，现场还用中文轻松与观众打招呼、交流，拉近了观众们的距离。
最后一组“宝藏乐队”超级查理SuperChaelie以一首《Wake Up》躁燃开场，唤醒观众质朴的摇滚之心。他们的演出风格多变，或戏谑或真诚流露，吉他躁动紧凑的节奏配合强有力的鼓点，热血沸腾的表演令人印象深刻！无论是极致改编经典曲目还是演绎新单曲，引起了全场大合唱！为期两晚的“潮湾夜游音乐会WAVE-BAY CONCERT”，也在一唱一和的快乐互动中落下帷幕。
2023深圳国际海洋周由深圳市人民政府主办，深圳市规划和自然资源局承办，深圳全球海洋中心城市建设促进会、深圳市纵横四海航海俱乐部有限公司执行。“潮湾夜游音乐会WAVE-BAY CONCERT”作为2023深圳国际海洋周系列活动之一，由深圳合纵文化有限公司组织开展，围绕“艺术海洋”主题板块，透过一场场高质量、国际性的音乐演出，助力2023深圳国际海洋周打造滨海城市嘉年华，塑造音乐文化活动新名片，向市民展示了海洋周海纳百川多元的文化特质，引导群众进一步了解和关注到了海洋周，全方位体验近海、亲海、乐海、爱海以及国际化元素！
【四句之内难分真伪 AI孙燕姿之后 AI歌手站到台前？】记者注意到，AI歌手实际上早已存在，初音未来、洛天依等依靠音乐编辑器合成声音的虚拟歌姬“出道”多年，并发布有自己的歌曲，不过这些AI歌手的音声因其“电音感”很容易被人认出来。但随着AI技术的进步，AI歌手也正一步步向人类音声逼近，使用软件也可制作出“以假乱真”的歌声。
2023年，AIGC成为了炙手可热的词汇，当AI生成的文字、图片引人惊叹之时，孙燕姿的歌声以“AI形态”再度走入大众视野，也为AI在声音领域的应用增加了更多可能性。
贝壳财经记者注意到，AI歌手实际上早已存在，初音未来、洛天依等依靠音乐编辑器合成声音的虚拟歌姬“出道”多年，并发布有自己的歌曲，不过这些AI歌手的音声因其“电音感”很容易被人认出来。但随着AI技术的进步，AI歌手也正一步步向人类音声逼近，使用软件也可制作出“以假乱真”的歌声。
未来，AI歌手的出现会对音乐圈造成何种影响？AI唱歌在版权上有何争议？对此，财经记者采访了音乐创作软件制作方、音乐人、专家。
财经记者了解到，创造出AI孙燕姿的AI音色替换技术，其来源为so-vits-svc模型，一款由中国歌声合成爱好者Rcell开发的AI语音转换项目，其技术原理是使用孙燕姿的声音“替换”其他歌手的干声，才能达到以假乱真的效果。
而在初音未来、洛天依等虚拟歌姬背后的，则是雅马哈的Vocaloid 系列语音合成程序，这款程序也被广泛应用在各类二创视频里，视频创作者可以不用唱的，而是手动“调制”出想要的声音效果，其技术原理同AI孙燕姿并不一样，但二者的共同点是软件和程序都需要首先学习人声音源数据，之后才能合成出想要的声音。
公开资料显示，初音未来的音源数据资料起初采样于日本声优藤田咲，而洛天依的声源由山新、鹿乃担任。限于早期技术原因，初音未来和洛天依早期的歌曲均有浓重的合成音特色，不管是《甩葱歌》还是《普通disco》，都能听出来，并非人类歌手所唱。
不过，贝壳财经记者注意到，虚拟歌手的这一音域“特色”实际上已经可以通过AI技术修正。6月15日，曾推出“半藏森林克隆人”的小冰公司和网易云音乐联合推出音乐创作软件“·X Studio”，并成立了包括12名AI歌手的虚拟歌手厂牌“WOWAIDO！”。在这些虚拟歌手的评论区里，不乏有“不敢相信这是AI唱出来的”等评论。
6月16日，小冰公司方面对贝壳财经记者表示，目前技术已经发生了进步，“我们的一些虚拟歌手，比如小冰的声音保留了电音特色，这是因为虚拟歌姬自有的粉丝群体认可这种声音，但实际上我们完全能够消除此前的电子音感，因为技术已经能够做到让AI歌手的音色更加细腻自然。”
幻想动漫音乐创始人、艺术总监孙玉镜告诉记者，他此前曾使用过Vocaloid，但更多是为了好玩，而近些年一些AI歌手的演唱音调很好，在拟真程度上，以现在的技术标准，相信四句之内是不会一下子就分辨出虚拟歌手的。
需要注意的是，大部分AI歌手的声音并非单纯“照搬”某一自然人的声音，“每一个声音的背后往往都是由许多不同的声源合成的，这些声源的量非常庞大，甚至有一些声音可能是我们自己公司的员工，但共同点是这些声源都得到了本人的授权。”小冰公司方面告诉记者。
“AI孙燕姿和AI歌手的情况并不相同。”德国慕尼黑大学法学博士，中央财经大学知识产权研究中心研究员李陶对贝壳财经记者表示，“前者涉及了表演者（自然人）的权利，后者涉及了虚拟表演者（非自然人），非自然人不是民事主体，不享有民事主体的人格权和财产安全，对后者的保护，应通过其开发投资经营（运营者）进行。”
孙玉镜表示，AI歌手可以帮助音乐人进行创作，“通过现在的AI技术，我们如果想要好好使用虚拟歌手软件，制作出一首成功的歌曲的几率很高。我们在日常的创作过程中会用到这类软件，主要使用方式是在制作demo（歌曲小样）时，用虚拟歌手代替制作人自己去唱，帮助制作人快速确定歌曲旋律，这对前期词曲阶段和编曲阶段都会有很大的帮助，可以达到成品80%左右的样子，后期可以再往上提升，或者找到一个更合适的歌手，替换成更好的声线。”
“AI歌手具有便利、稳定等优势。具体为，在便利性上，AI歌手可以随时随地工作，而人类工作时间相对固定；在稳定性上，AI歌手状态恒一，人类有突发状况，如情绪不佳、声带受损等。”音乐制作人李召洋在接受记者采访时表示。
据了解，李召洋爱好创作儿童音乐，但目前市场上该类音乐有限，其也苦于找不到合适的歌手（有一定演唱基础的稚嫩童音）来演唱自己的作品，因此接近童声的AI声线成为了他的帮手，他曾使用少女小冰的声音，发表作品《笠翁对韵》，该曲目获得了专业奖项（第5届唱工委音乐奖最佳儿童音乐专辑）提名。
不过，在孙玉镜看来，AI歌手在细节上还没有办法像人类歌手一样呈现出“千变万化”的东西，仍然存在局限性，“虽然现在技术已经改善了非常多，但AI对歌曲的演唱更多还是关注在表达上，对于给人带来的听觉感受等更细微的处理可能会弱一些。最终为歌曲买单的听众，追求的一定是某种感觉，人类歌手在录音棚里现场沟通可以随时呈现出各种不同的变化，来配合‘找感觉’，但如果虚拟歌手想快速调整出这种感觉，是没有办法像人类歌手那么快速实施的。”
另一方面，也有声音认为，AI技术与自然人声，AI歌手与真实歌手并非“势同水火”，AI可以成为人类声音“数字永生”的保障。
如《流浪地球2》中，李雪健由于喉管手术导致声带受损，难清晰咬字。为了让他独特的嗓音呈现出最佳效果，特效人员采用AI工具对其声音进行修复，使之最大限度地保留原声，观众们才能在电影院里重温李雪健的经典音色。此外，如果自然人歌手主动向AI授权了自己的声音，并谈好AI歌曲发布后的收益分成，这也未尝不是让AI翻唱“进入阳光下”的一种有益尝试。
小冰公司透露，已有真人歌手主动授权公司“克隆”自己的声音，来保留巅峰状态。歌手能决定AI声音的用途并取得相关收益。经过本人训练调优，AI声音将有机会获得更好的表现。当市场出现越来越多“正版”声音，良币驱逐劣币，或许能解决“孙燕姿们”的问题，也能给予音乐创作者更多选择，这或许是“AI孙燕姿们”合法化的第一步。
在李陶看来，AI孙燕姿类音色替换技术需要表演者的授权，因为表演者可能不愿意别人这么做，而AI歌手则不牵扯这种问题，“总体上看这是一种新的产品类型，应当中立的判断，无所谓价值上的肯定或否定。”
4月4日、6日晚，大型渔歌音乐剧《渔家》在惠州文化艺术中心开启首轮公演，反响热烈。该剧是全国首部以国家级非物质文化遗产惠东渔歌为基础的音乐剧，时长近110分钟，取材于惠东渔村的疍家故事，以女主角秋雁与男主角向岸的爱情为纽带，描绘渔民的命运流转。
《渔家》的主创阵容可谓集结了广东音乐圈的中坚力量。其中，知名词作家、编剧、广东省音乐家协会副主席赖房千担任该剧编剧。近日，他在接受羊城晚报记者独家专访时分享了《渔家》的创作感悟，并表示：“非物质文化遗产需要动态传承。”
自宋朝起，由福建沿海传入惠东的浅海渔歌，在当地广为流传。最近60余年，惠东渔歌的保护与传承，经历了一些重要节点：1956年，惠州市港口新村渔民苏墨水、苏带心演唱的原版渔歌《娶新娘调》《阿乡调》《妹子调》等，被选送到北京参加全国民间艺术调演，受到周恩来总理的亲切接见；中央歌舞剧院在20世纪60年代创作《南海长城》，音乐取自惠东渔歌；2008年，惠东渔歌入选国家级非物质文化遗产名录；2009年，惠东渔歌传承基地建立；2012年，惠东渔歌业余学校成立；2017年，为保护、传播惠东渔歌，平海渔歌艺术团成立；2019年，惠东渔歌登上庆祝澳门回归祖国20周年文艺晚会；2020年，“惠东渔歌进校园”项目启动，惠东平山中学招收首批惠东渔歌特长生。
赖房千表示，《渔家》的公演，无疑是惠东渔歌传播史上的新节点：“惠东渔歌是岭南渔歌的重要一席，音乐剧形式是对非遗的动态传承。我们希望用新鲜的方式，让一代代人能听到渔歌、接受渔歌。如果只靠非遗传承人传承，它可能会慢慢消失。”
2018年，广东省（汕尾）渔歌邀请赛举行，惠东渔歌作品《疍家组歌》采用5种原生态渔歌曲调联唱，当时给在现场的赖房千留下了深刻印象。他决定深入研究惠东渔歌：“疍民整日面向大海，以船为家，如何苦中作乐？就是唱歌。我感受到了他们对着大海、蓝天、白云亮嗓子的辽阔感，这激发了我的创作冲动。”之后，惠州准备结合惠东当地的非物质文化遗产，创作文化项目。这与赖房千对惠东渔歌的执念不谋而合：“我只用了两个月时间，就完成了《渔家》的初稿，聚焦三代渔民的故事。”
《渔家》以女主角秋雁与男主角向岸的传奇爱情为纽带，将亲情、家国情巧妙联结，展示了一户渔家在岁月变迁中的心路历程，呈现了惠州渔民的文化发展、历史变迁。赖房千说：“《渔家》看似是一部爱情剧，但实际上是现实主义剧，它反映了疍民从海洋走向陆地，从传统捕捞业到现代渔业的变迁，其中有过去与现在、海洋与陆地文化的冲撞，意义颇丰。”
在赖房千眼中，集结了广东音乐圈中坚力量的《渔家》是一部资金投入不算大的“大制作”。编剧赖房千是广东省音乐家协会副主席、中国音乐文学学会常务理事、中国音乐家协会会员，曾受邀创作大型交响组歌《梦回三江源》《奔腾吧玉树》，担任广东改革开放四十周年大型交响组歌《大江潮》、广东省纪念世界反法西斯暨中国抗日战争胜利七十周年大型交响组歌《热血东江》总撰稿等。负责作曲的是梁军、王少辉：梁军不仅是广东省文联主席团成员、中国音协理事、广东省音乐家协会副主席、广东省合唱协会副会长，也是华南理工大学艺术学院院长；王少辉则是惠州市音乐家协会主席。导演陈才是中国戏曲学院中国喜剧美学研究所戏剧创作中心主任、“陈才导演（北京）戏剧工作坊”创始人、广东省文化馆研究馆员……赖房千感慨道：“我们都在各自协会任职，可谓责无旁贷、不计回报地积极投身创作工作。”
《渔家》的主演阵容也是广东音乐圈的“实力派”：南方歌舞团青年男高音歌唱家、一级演员李白饰演向岸；广州歌舞剧院有限公司声乐演员、二级演员权琳丽饰演秋雁。赖房千表示：“男女主角都是资深歌手，演过音乐剧，有一定的舞台经验。同时，他们的声音条件，也适合剧本的人物性格。”
值得一提的是，负责《渔家》舞美设计的是广东歌舞剧院舞美设计师马骏，他在舞台上创新运用了曲屏技术，营造海浪效果。赖房千说：“通常，反映渔民生活的作品会在舞台上搭建一艘实体木船，但我们选择了一种更现代的探索——用可升降装置制造具备流动感的海上风浪景观。”
赖房千表示，整个团队在首演后，还会继续优化《渔家》，让它成为一部能留得下来的、能走出广东面向全国的作品：“《渔家》让我们意识到，中国音乐剧的民族艺术化表达，以及非物质文化遗产的现代性表达可以做，而且能做好。我们准备一步步推进，让它走上国家重要的舞台，传递广东文化。”
近年来，赖房千和许多广东音乐人一直面临许多棘手问题，比如：如何让中国音乐剧具备中国式的呈现方式？如何让更多年轻人接受非物质文化遗产？
赖房千表示，《渔家》在音乐层面进行了大胆尝试：“传统民歌略显沉闷。为了让舞台更有现代气息，我们主创沟通后决定，将整部剧的音乐、舞蹈节奏相对调快，唱腔更加通俗、时尚，用年轻人更易接受的方式表达。”
与此同时，传统也不能丢，惠东渔歌在剧中起到了承上启下的作用。赖房千说：“秋雁是疍家渔民的代表，也是渔民文化的符号。老年秋雁在每幕戏换场间出场，清唱惠东渔歌的经典唱段，展现这种艺术形态最美的侧面……这种表达也很新鲜，可谓独树一帜。”
《渔家》的首轮演出不仅吸引了惠州当地市民观看，也吸引了广州、深圳、东莞等周边市区的观众。赖房千表示，该剧门票均为赠送：“目前反响非常好，凡是了解到《渔家》信息的市民，都想来看，可谓一票难求。”他也表示，《渔家》未来会有商演考虑，而且“可能会与本土旅游文化建设结合，专门设置展演场地驻场表演”。
赖房千表示，《渔家》是近年来广东音乐剧创新发展的重要体现：“音乐剧是从西方引进而来的，虽然与中国戏曲属于两种文化，但本质上都属于戏剧。我们要用一些媒介打通文化壁垒，实现文化的跨时空融合。比如，利用音乐剧的外壳，加入中国非遗的文化元素；在剧里的流行音乐之外，加入中国传统的唱腔；在乐器的选择上，融合中西方乐器等等。”他相信，融合是顺应时代之举，“一定能吸引更多年轻人接受本土化的、属于中国的音乐剧”。
此外，推动广东音乐剧创新发展与非物质文化遗产保护，也需要年轻人参与。据悉，除了男女主A角外，《渔家》其他演员都是来自惠州歌舞剧院的青年演员。主创团队也不乏年轻面孔参与。赖房千表示：“他们知道同龄人真正喜欢看什么。我们正与年轻人共同推动着非遗的动态传承。”
“惊闻德德玛老师病逝。现在，我父亲阿拉腾奥勒、德老师、火华老师，《美丽的草原我的家》的三位缔造者可以在天上重聚了。”
蒙古族音乐人科沁夫没想到，自己成了全网第一个向公众发布歌唱家德德玛去世消息的人。2023年11月28日下午，他通过一些蒙古族音乐人得知了德德玛去世的消息，与她的家人确认后，把消息发到了微博上。很快，这一消息引发了人们的震惊和集体怀念。蒙古族歌手腾格尔第一时间发布了悼念她的消息，网友们则纷纷以“草原夜莺”“天籁”等语言形容德德玛的歌声，惋惜她的离去。
作为中国最知名的女中音歌唱家之一，德德玛以独有的蒙古族曲风，低沉浑厚的嗓音特色在乐坛独树一帜。而因为音域限制等原因，女中音歌唱家的数量本来就不多，拥有优越的声音天赋和独特曲风的更是少之又少。因此，德德玛一直是乐坛如金子一般耀眼、珍贵的存在。
很多歌迷都会觉得，如阳光和清风一样让人愉悦的德德玛，又拥有这把好嗓音，她的生活也一定是一帆风顺的。但实际上，德德玛的人生一直磕磕绊绊，她也并非天生就拥有这样独特的嗓音。她曾在不同唱法间艰苦摸索，成名时已经三十出头，十几年后又突发重病。在洋溢着自然之美和幸福感的歌声背后，伤痛和迷茫始终伴随着她。
但这只“草原夜莺”从未屈服。她早年离家求学，经历过挫折，草原却一直留在她的音乐中。她不停地唱着乡愁，也留下了《美丽的草原我的家》《父亲的草原母亲的河》等大批关于草原的歌曲，不断流传。在德德玛去世之后，有人感慨地说，孩童时期最早感知到草原的样子，不是在照片里，而是在德德玛的歌声里。
音乐人科沁夫的家人和德德玛有着较深的渊源，他已故的父亲、作曲家阿拉腾奥勒和德德玛保持着长期合作，德德玛的成名作《美丽的草原我的家》，正是阿拉腾奥勒作曲的歌曲，此后，两人还合作了不少歌曲。二人同在内蒙古工作时，经常是阿拉腾奥勒写好了歌曲，然后骑着自行车去找德德玛，拿给她去演唱。后来，德德玛和阿拉腾奥勒在晚年虽然不常相聚，却还是会互相支持。2011年，阿拉腾奥勒去世，德德玛还特地赶去参加追悼会，那时她早已腿脚不便，需要人搀扶，但还是坚持去见老友最后一面。“他们都是很重视音乐的人。”科沁夫对《中国新闻周刊》说，两位老人的友谊是靠音乐维系的。
《美丽的草原我的家》这首人们耳熟能详的歌曲，凝聚着德德玛和词曲作者们的珍贵友谊。而随着这段旋律，人们也能回到四十多年前的改革开放初期，听到时代现场的回响。1978年前后，文化创作逐渐回暖，音乐圈也是一样。当时，邓丽君、刘文正等港台歌手的作品已经悄悄在大陆流传开来，听众们也在期待着一些非口号式的、表达个人情感的歌曲出现。当时的创作者决定积极顺应时代潮流，开始创作新风格的作品。1977年，作曲家阿拉腾奥勒根据词作者火华的一首旧歌词，谱成了《美丽的草原我的家》这首具有蒙古族音乐特点的原创新歌，歌曲创作完后，包括德德玛在内的几位歌手对这首歌进行了演绎，但尚未流行开来。后来，火华改掉了歌曲中一些时代痕迹过重的、如“高压电线云中走”这样的歌词，替换成描绘草原风光的词句，希望新作品能够更加贴近普通人的内心。
彼时，很多沉寂多年的歌手都等待着、争取着机会。1978年年底，在广州举办的第十届广交会上举办了一场晚会，晚会中，一位三十多岁的北方女歌手亮相演唱，一开始，她高大的外形与当地人的审美格格不入，甚至还引起了台下的笑声，但当她一开口，低沉浑厚的嗓音，优美稳重的台风就征服了所有人，这位歌手就是当时在内蒙古歌剧团工作的德德玛。当晚，她演唱了三首歌曲，其中，这首新版本的《美丽的草原我的家》得到了最多、最热烈的掌声，当地媒体也开始用大篇幅赞扬这个全新的、美丽的声音。
实际上，这次演出机会是渴求舞台的德德玛自己争取来的。一开始，演出名单中并没有德德玛的名字，但在她的请求下，终于得到上级同意，可以和另一位女歌手组成二重唱组合前往广州。恰巧在演出当晚，演出中一位负责独唱的女歌手生病，于是德德玛“临危受命”，得到了独唱三首歌的机会。或许是由于她的嗓音和演绎与歌曲本身过于贴合，也因为自身坚持和机缘巧合，最终，这首歌的命运也和德德玛牢牢绑定在一起。
如同命运的恩赐一般，演员德德玛的歌唱生涯发生了变化。1979年，《美丽的草原我的家》随着德德玛的声音一起走向了全国。当年，德德玛到北京参加了多场文化部举办的建国三十周年献礼演出，受到北京观众的热烈欢迎，媒体称其为“灿烂的歌唱新星”。第二年，这首歌选入文化部向全国推荐的15首优秀歌曲的名单，并入选联合国亚洲区声乐教材。她开始录唱片、磁带，到全国演出甚至赴海外演出。每当唱起“骏马好似彩云朵，牛羊好似珍珠洒”这样生动描绘自然场景的歌词和旋律，她醇酒般的声音，就能立刻将人们带到那清风拂过的大草原。
此后十几年间，德德玛从一位默默无闻的小歌手，一跃成为名震全国的歌星，活跃在各地舞台，每到一处，无论是草原上的当地牧民，还是城市里的观众，都能成为她的狂热听众，在下乡演出过程中，甚至有牧民拦住车辆向她赠送家乡特产，表达爱意。当时听过德德玛演出的听众回忆，德德玛的声音就像草原上的风，“有着一种洞穿岁月的感染力”。
德德玛曾和同时代的著名女中音歌唱家关牧村一起参加电视节目，二人从年轻时就相识，也经常演唱对方的歌曲。德德玛曾半开玩笑地说，她总是想从关牧村身上学到点什么，“虽然她没教过我，但是我偷学了好多东西”。当时，德德玛觉得自己擅长唱悠扬的蒙古调子，却不擅长演唱快速的歌曲，就从关牧村那首节奏欢快的《打起手鼓唱起歌》开始学习模仿，最终也学得像模像样，别有一番风味。“偷学”虽然是句玩笑话，但也似乎折射了德德玛坚韧、爱挑战的性格。她独特的黄金嗓音也是在各种挫折挑战之中酝酿出来的。
1947年，德德玛生于内蒙古阿拉善盟额济纳旗，年少时就加入红色文化工作队“乌兰牧骑”为牧民唱歌表演。1964年，18岁的德德玛被保送至刚刚成立的中国音乐学院声乐系学习。此时她开始遇到人生第一个困境：进入中国音乐学院之前，德德玛曾在内蒙古学习过美声唱法，但到中国音乐学院后改成了民族唱法，这对嗓音的损伤很大，她对这种转折非常不适应。于是，整个青春时期，她的声音一直在高低音之间徘徊，找不准合适的状态。这对一个年轻的歌唱学习者而言几乎是毁灭性的打击。
那段时间，对于大多数人而言，过得都不顺遂，只能走一步看一步，哪怕是有幸进入高等学府的德德玛也是一样。1968年，德德玛回到家乡内蒙古，长达十几年的时间中，她在内蒙古、宁夏等地的歌舞团、歌剧团都工作过，也算是躲开了混乱的社会环境。但回到少数民族地区的她发现，自己受过学院派训练的嗓音并不受当地人的喜爱，只有在演唱家乡的蒙古长调时，观众才会对她有更多的认可。倔强的她不愿放弃歌唱事业，于是开始试着寻找儿时演唱民族歌曲的感觉和方法，也开始有了更多的成就感。但因为多次修改唱法，过于勤奋地训练，让她的声带出了问题，后来，她的声带长了息肉，差一点无法唱歌，最终经过两次手术才修复。
该如何使用自己的声音，这个问题始终困扰着德德玛，她在长达十几年的时间里一直思考着如何改变，也勇于尝试，但因为这种改变，也因为身体的各种突发状况，她付出了巨大的代价。上世纪80年代前后，“一曲成名”之后，德德玛的事业似乎终于变得顺利起来，但健康问题却从未结束。1983年，德德玛患上过敏性哮喘病，她再度以为自己无法唱歌，几年后病愈的她又积极起来，度过了十年左右拥有舞台和掌声的日子。生活刚刚舒展，又一个打击从天而降，1998年2月，年过五十又患有高血压的德德玛为庆祝中日邦交正常化20周年到日本演出，结果因为演出场次太多，过于劳累，突发脑出血倒地，最终导致瘫痪。
无论如何，每一次遭受打击，这只“草原夜莺”都能凭借毅力飞快地重新恢复生机。瘫痪后的德德玛在艰苦的锻炼之下，慢慢恢复了唱歌的能力，仅仅过了一年，她就重新回到舞台，宣布自己基本康复，慢慢开始举办音乐会，出版专辑，哪怕行动不便，也要把这些事都一一完成。2009年，已经六十多岁的德德玛在演唱新歌《蓝蓝的马莲花》时，还在坚持学习其他音乐人的技巧，她很喜欢中国台湾女中音歌手蔡琴松弛的唱法，也试着在这首歌里模仿，并表示对自己的表现不太满意。可是，在人们听来，德德玛黄金般的嗓音并没有随着年纪变化有所损伤，也无法想到这优美歌声背后，她所承受的苦难。
1999年，祖籍内蒙古的台湾诗人席慕蓉回内蒙古寻根，替刚刚过世的父亲完成心愿。此时，大病初愈的德德玛在电视上看到了席慕蓉的影像，或许是因为刚刚病愈，心理脆弱，席慕蓉的寻根也勾起了德德玛的乡愁，她形容当时的场景是“她在荧幕上落泪，我在荧幕下落泪”。后来，德德玛便托作曲家乌兰托嘎找到席慕蓉，三人相见，聊得很投机。见面时，德德玛对席慕蓉说：你忘不了父亲的草原，母亲的河流，这是一首特别好的歌，能不能（以此为灵感）写一首歌词？席慕蓉一直喜欢德德玛的歌声，便答应了请求，在三次修改后交出了作品，其中有一句“我也是草原的孩子”，非常让德德玛动容。
后来，这首席慕蓉作词的《父亲的草原母亲的河》由乌兰托嘎作曲，德德玛演唱，并通过晚会播出，获得了极高的传唱度，也把感动带到了更多人心中。这首歌记录着德德玛心中浓重的草原情结。十几岁便离家求学、工作的她，其实早就已经离开了草原上的生活，只能在音乐中回味这种乡愁，这件事甚至连她自己都无从察觉，只是在日后回味时才恍然大悟。曾经有人在电视节目中问她唱过多少关于草原的歌曲，她并没有准备，只能说大概几百首，连自己都统计不过来。
在《父亲的草原母亲的河》这首由她大力推动并演绎的歌曲中，人们能看到、听到她浓烈的情感，理解她对亲人的情感和想念。之所以这首歌里的情感如此浓郁，或许因为，“父亲的草原母亲的河”是席慕蓉的遗憾，也是她的遗憾。因为就在德德玛刚刚在全国成名的1979年，从小启蒙她唱歌的父亲因食道癌去世，没有亲眼看到女儿日后的成就，这也加深了她心中的遗憾和思念。
后来，德德玛在全国各地的工作十分繁忙，虽然她经常会回到草原，但和家人团聚的时刻也是少之又少，她也总想用一些方式，保持和家乡的联系。2022年，病愈后德德玛开始在家乡创办艺术学校，专门招收牧民的孩子学习音乐。在筹办学校的过程中，每次回乡，她都喜欢闻羊皮的味道，还把一小块羊皮放在枕头边，虽然外人不明白其中滋味，甚至觉得羊皮很臭，但她却沉浸其中，十分享受。或许，这是她与家乡保持联系的一种特殊的方式。
如今，德德玛这个“草原的孩子”，终于可以放下病痛的身体，回归草原。而她声音中的绿草繁花，牛羊骏马，也会永远留在那些跟草原有关的作品之中，流传到世界各地。当年那只年轻的、金色的草原夜莺，真的飞回到了那片美丽的草原，回到了她的家 。
曾被誉为拼爹不输王思聪的黄子韬，以其豪门阔少的背景和财富光环备受瞩目。他是给员工下禁陪酒令、经常向灾区捐款的好老板形象代表，并被视为传递正能量的偶像。此外，黄子韬备受无数粉丝追捧，被誉为顶流爱豆。
然而，最近一场演唱会彻底揭穿了黄子韬所有的体面和风光。据韩国媒体报道，黄子韬作为XO组合成员举办的演唱会门票销售惨淡，原因与他和女友公开恋情后粉丝大量脱粉有关。甚至有韩媒将张艺兴的照片挂在黄子韬的演唱会现场，并对两人进行各方面的对比。结果显示，黄子韬因健康原因取消了一场演唱会，有人认为是因为售票率太低才取消。即使将门票价格从368元降至48元，仍然无法售罄。与之形成鲜明对比的是，张艺兴的演唱会门票全部售罄，并且现场还准备了纪念品送给粉丝们。这一对比让人不禁思考两人走势的巨大反差。
黄子韬在面临的挑战中存在着一些问题。他缺乏传唱度极高的代表性歌曲，无法吸引观众购买门票支持。某种程度上，他对自身人气的过度自信也导致了此次演唱会的失败。尽管黄子韬拥有6000多万粉丝的社交平台，但实际支持他的人数并不多。即使演唱会门票价格大幅降低，也未能吸引足够的观众。这一情况暴露出只依赖流量而缺乏实力的流量明星泡沫正在逐步破灭。
黄子韬的演唱会票房惨败给整个娱乐圈敲响了警钟。它再次提醒我们，在竞争激烈的行业中，只有凭借实力和专业态度才能取得真正的成功。过度依赖流量和粉丝数量的明星模式正在逐渐失去市场认可。唯有拥有实力、持续努力和代表作品的艺人才能在娱乐圈中立足并获得持久的成就。
回顾黄子韬的事业巅峰时期，他作为XO男团的成员赢得了90后韩语粉丝们的狂热追捧。无论是少女还是直男，在10岁到20岁的年龄段，都对他们的名字如数家珍。他们的音乐在亚洲流行音乐圈中崭露头角，专辑销量屡创纪录。不仅在各大音乐活动中获奖，连演唱会门票抢购阶段也出现了令人难以置信的场面。他们为舞台付出巨大努力，有人因身体问题退出，甚至在演唱会上摔倒或坐轮椅登台。即便如此，他们仍然各自取得了辉煌的成就。
黄子韬作为归国四子之一，在2015年回到国内发展迎来了第二春。尽管受到一些嘲讽，但忠实粉丝仍然支持着他。他接拍代言、担任演员等机会不断涌现。然而，此次演唱会的惨败却让他再度面临挑战。
黄子韬的演唱会失败凸显了娱乐圈竞争的激烈程度。在当今流量明星泡沫逐渐消散的背景下，只有拥有实力和代表作品的艺人才能在市场中立足并获得持久的成功。过度依赖流量和粉丝数量是无法撑起一个艺人事业的根基。
黄子韬演唱会票房惨败提醒我们，流量明星的泡沫正在逐步破灭。只有凭借实力、持续努力和代表作品，艺人才能在竞争激烈的娱乐圈中立足并取得真正的成功。（完）